50 autres grands albums de l'année

May 08, 2023

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Attendez, ne l'avons-nous pas déjà fait ? Eh bien, non - pas exactement.

SPIN a récemment publié une liste intitulée Les 22 meilleurs albums de 2022, rassemblant les choix de notre équipe éditoriale. Mais il y avait trop de bons disques cette année pour les entasser en un seul morceau, alors… tu as de la chance ! Voici une autre liste, cette fois rédigée par nos autres contributeurs.

La suite est tout aussi éclectique, couvrant toute la gamme du folk indie scintillant (Big Thief) au psych kaléidosopique (Acid Mothers Reynols) en passant par le sludge-metal salé (Chat Pile) et la R&B-pop innovante (Beyoncé). Creusez.

Que les marathoniens psychédéliques japonais Acid Mothers Temple fassent équipe avec l'unité de "bruit automatique" argentine Reynols semble, rétrospectivement, à la fois inévitable et fantastique. Pépite de garage cosmique "Bob Bubbles" à part, Vol. 1 flottait et se balançait comme un hamac effiloché et interdimensionnel, magnifique et languissant, deux bandes se fondant en un tout intégré de manière gratifiante. Tiré des sessions de fin 2017 qui ont engendré Vol. 1, Vol. 2 représente le revers de la pièce hyper-oxydée Acid Mothers Reynols – longiligne, enflammée, rappelant par moments Swell Maps ou The Fall. "Antimatter-Sound Milkshake" scintille des pianos fous partout dans une zone de sortie vaguement esquissée. "Sun Inside A Silent Sun" s'élève vers le haut dans un sillon fulgurant. Vol. 2 se termine longuement avec « Dimentional Brochette O'Clock », une lope kaléidoscopique qui chatouille le cerveau – qui, espérons-le, n'est pas la dernière que nous entendrons parler de cette hydre à neuf têtes. –Raymond Cummings

Putain de nostalgie. Alvvays a maintenant transcendé ses influences C86 pour créer le meilleur disque de guitare indie de l'année. Si leurs disques précédents (et toujours excellents) incarnent le label "shambling" de feu John Peel, qui louait l'amateurisme conscient de l'indie rock jangly et pop-agnostique - vous aussi, lecteur, pouvez regarder (500) Days of Summer and démarrer un groupe – Blue Rev lance ce revers par la fenêtre. Non, tu n'es pas aussi douée pour écrire des chansons que Molly Rankin et Alec O'Hanley. Et maintenant, ils sont bruyants. Le buzz initial de Blue Rev a en effet mis en évidence l'éclat hurlant créé par une nouvelle section rythmique et le super producteur Shawn Everett (et mieux entendu sur l'ouverture de l'album "Pharmacist"). Des semaines plus tard, ce qui ressort maintenant, ce sont les détails les plus discrets. Une référence apparemment jetable au meurtre, elle a écrit dans une chanson nommée d'après un recueil de nouvelles de Murakami examinant la tragédie à distance, et plus tard vérifiant le nom d'une chanson de Belinda Carlisle comme une métaphore non ironique pour l'avenir. Les harmonies vocales des Beatles sur "Many Mirrors", un succès en carrière, côtoient la barre whammy de Kevin Shields qui sonne aussi grosse que l'océan. Rankin dans "Velveteen" chantant, "Is she a perfect 10? / As-tu retrouvé le Christ?", Comme si elle pardonnait à un ami. Il reste bien d'autres secrets à découvrir. –Brady Gerber

Le temps a été une chose étrange et imprévisible pour Animal Collective. Après une évasion de rêve et deux enregistrements ultérieurs qui divisent, le groupe originaire de Baltimore semble rajeuni sur Time Skiffs. Le plus long écart d'album d'AnCo a donné l'une de leurs sorties les mieux conçues, exerçant une influence de groupe de jam dans sa patience insouciante et sa dynamique serrée et axée sur le groove. Des chansons comme "Prester John" et "Strung with Everything" retiennent leurs harmonies les plus frappantes pendant plusieurs minutes. "Cherokee" brille pour son murmure sublime et feutré d'une construction, tandis que Deakin rapproche "Royal and Desire" comme une valse sans hâte refusant de se précipiter à travers sa grâce. Animal Collective chérit le moment. – Nathalie Marlin

Les Écossais Ashenspire n'introduisent pas autant de politique de gauche dans leur musique qu'ils introduisent de la musique dans leur agitprop. Alasdair Dunn est aussi éloquent que n'importe qui dans le métal sur la lutte des classes et la botte éternellement piétinante du fascisme, et ses paroles sur Hostile Architecture mêlent des mémoires personnelles à des appels enflammés à l'action. Il prononce son invective dans un sprechgesang aux yeux fous inspiré de Devil Doll, et le reste du groupe construit une cacophonie de black metal avant-gardiste derrière lui, leurs violons et saxophones broyant contre des riffs de guitare anguleux et une batterie battante (jouée par Dunn lui-même). Musicalement et politiquement, Hostile Architecture est délibérément conçu pour déstabiliser. Ashenspire espère que cela vous mettra suffisamment mal à l'aise pour agir. –Brad Sanders

Bartees Strange tire le meilleur parti de la renommée croissante de l'indie : sur "Cosigns", un morceau de son deuxième album, Farm to Table, il se vante d'avoir tourné avec Phoebe Bridgers et FaceTiming avec Justin Vernon. Pour les fans, il a été passionnant de regarder l'ascension de sa carrière après ses débuts en 2020, Live Forever. Mais comme Strange le souligne également dans "Cosigns", il a faim – et vise toujours plus haut. Sur Farm to Table, son son est plus gros et infiniment plus sûr de lui, du rock d'arène de "Heavy Heart" au banger pop total "Wretched". Son pouvoir de star est indéniable, mais sa concentration sur l'écriture de grandes chansons n'a pas faibli. – Mia Hughes

Dans un genre dont les auteurs-compositeurs semblent soumis aux caprices des algorithmes mécaniques, la Renaissance de Beyoncé réinvente non seulement l'artiste, mais aussi les contours de la musique pop elle-même. Le premier volet d'une trilogie, Renaissance est une démonstration épique et époustouflante de bravoure qui rend hommage aux pionniers de la musique dance - les Noirs et les homosexuels - de la seule manière qu'une Vierge pourrait : si profondément réfléchie et recherchée que les extraits et allusions de l'album justifier un cours collégial. De l'échantillon des Clark Sisters sur "Church Girl" aux apparitions du producteur prolifique Nile Rodgers, du légendaire interprète de drag des années 90 Moi Renee et du DJ house et techno acclamé Honey Dijon, l'album se faufile de manière transparente à travers des décennies de tradition. Renaissance célèbre l'héritage qui a conduit la musique noire à devenir synonyme de musique américaine - de la même manière que Beyoncé est devenue synonyme d'excellence. – Kriska Désir

La cinquième offre de Big Thief est l'un des grands disques d'étrangeté domestique, où le simple fait de préparer le petit-déjeuner avec la radio allumée peut être une expérience psychédélique – vous pouvez simplement imaginer les créatures heureuses danser sur la pelouse d'Adrianne Lenker à l'extérieur. Le hurlement country de la chanteuse ressemble un peu plus à celui d'Emmylou Harris à chaque album, et si le cri furtif de Gram Parsons sur "Simulation Swarm" est une indication, elle le sait. Sur Dragon, elle plonge dans la plus grande tradition du roots-rock américain et suggère même une origine biblique pour son écriture sur "Sparrow" - Eve a parlé à des serpents et ils l'ont guidée, et ses descendants chantent toujours au monde. –Daniel Bromfield

L'un des groupes contemporains les plus étranges à avoir marqué deux albums consécutifs dans le top 5 britannique, Black Country, New Road déclenche une cacophonie souvent vertigineuse, à la Nick Cave en aboyant des ordres à un orchestre de chambre. Les références à une fille au "style Billie Eilish" ancrent la musique au moins quelque peu dans le présent, mais les cors phasés de style Steve Reich, le piano scintillant de fin de soirée et une section rythmique rendue aussi sèche que Slint semblent greffés à partir de tout à fait une autre époque. Patinant jusqu'à la ligne de démarcation entre affolant obtus et étonnamment original, Ants From Up There est inconfortablement dans votre visage à un moment et nuement tendre le suivant. – Jonathan Cohen

Appelez Black Midi comme vous voulez – des poids lourds post-punk de la génération Z, la seconde venue du jazz progressif, un théâtre de cabaret infernal – mais la propulsion incessante du groupe est formidable. Sur Hellfire, le trio sonne comme l'héritier apparent de King Crimson de l'époque de Larks' Tongues. Les cuivres hurlent à travers des arpèges de guitare vertigineux sur "Sugar/Tzu", et Geordie Greep aboie comme un commissaire-priseur sauvage sur "The Race Is About To Begin" au milieu des remplissages de batterie ultra-rapides de Morgan Simpson. Black Midi est tout aussi doué pour tourner sur un sou – dans le doux galop de "Still" dirigé par Cameron Picton ou le beuglement de Greep en tant que crooner sur "The Defence". Ou, peut-être le plus choquant, sur "Welcome To Hell", passant du sprint fou furieux au piano sur la pointe des pieds et aux cordes pincées, puis revenant tout aussi rapidement. – Marin

La chanson de métal la plus pertinente de cette année dépeint une défonce stupide, le désir de mettre fin à vos jours et l'hallucination de Grimace qui devient aussi stupide. "grimace_smoking_weed.jpg" est un titre de chanson en ligne en phase terminale, mais les en ligne en phase terminale ne sont que quelques-uns des personnages désespérés que Chat Pile d'Oklahoma City tisse pour cartographier God's Country. "Why" fusionne le sludge metal avec la brutalité de Discharge pour décrier pourquoi nous laissons les sans-abri souffrir inutilement. Les solutions sont évidentes - la cruauté, malheureusement, est toujours le point. L'industrie du bétail d'Oklahoma City occupe une place importante ici aussi : "Slaughterhouse" documente la psychose résultant de l'exploitation via le piétinement de Godflesh, et un voleur sans autre option exige que les otages s'alignent comme du bétail dans "The Mask". Nous vivons dans le pays de Dieu - nous vivons avec le prix du paradis pour quelques-uns. – Andy O’Connor

Parfois j'oublie ce que font les chansons. Au pire, une journée ne ressemble pas à une chanson : elle n'essaie pas de connaître l'air ; il n'essaie pas de passer du "savoir" au "chanter". je discorde. Mais ensuite, j'entends quelqu'un comme Madison Cunningham, qui nomme "chanson" pour ce qu'elle est : un Révélateur. L'album skronks et gazouillis, skitters et shoops. Il m'étire, allonge mon désir avec son spidering d'art de guitare ("All I've Ever Known") et fait apparaître mon cœur dans des dalles croquantes et bouchées de rappelez-vous quand ("Where Are You Now") et me fait trébucher sur les noms qui résonnent dans mon histoire ("Sara et la foule silencieuse"). Il verbe mon être. Ça m'émeut. Merci pour les chansons, Madison. – Franck Falissi

MF Doom disparu, Gift of Gab mort, Kanye se transformant en un commentaire sensible sur YouTube, toujours pas de nouvel album Roots – regardez, ces dernières années ont été difficiles pour les fans de rap avant-gardiste du début des années 2000. Cheat Codes, la longue collaboration promise depuis longtemps entre Danger Mouse et Black Thought, est un baume : 38 minutes de hip-hop sans prétention insufflé de funk et de fanfaronnade. Black Thought sonne énergique et virtuose comme jamais, crachant des mesures qui rappellent l'intensité de ses jours Game Theory/Rising Down, et c'est un soulagement d'entendre Danger Mouse faire ce que Danger Mouse fait de mieux : hacher et mettre en boucle des échantillons de soul granuleux au lieu de produire des albums médiocres. pour U2 et RHCP. De généreuses apparitions invitées de Raekwon, Run the Jewels et un Doom posthume renforcent le sentiment de renouveau et de retrouvailles. – Zach Schönfeld

Qui avait le retour de Death Cab à la pertinence du rock sur ses cartes de bingo 2022 ? Le 10e album tendu du groupe est leur plus urgent (et probablement le meilleur) depuis Narrow Stairs en 2008 – ce qui semble être une éternité pour Ben Gibbard et son équipe. Leur mélancolie mesurée trouve une nouvelle forme lorsqu'elle est vue à travers l'objectif de la pandémie (lorsque la majeure partie a été écrite), commençant par l'hypnose de quarantaine de "Je ne sais pas comment je survivrai". "Roman Candles" éclate avec un roulement de grosse caisse déformée, et "Here to Forever" - leur single le plus pointu depuis, eh bien, pour toujours - dissèque le passage du temps avec la précision vocale de Gibbard. Mais le morceau le plus ambitieux est "Foxglove Through the Clearcut", un fil post-punk obsédant à demi-parlé sur un homme qui vit près de l'océan mais craint l'étendue de l'eau. C'est une épopée saisissante qui, comme le meilleur travail de Death Cab, récompense une écoute attentive. – Bobby Olivier

Denzel Curry adore les disques concept. Lors d'hommages antérieurs à l'horrorcore et aux retours en arrière des années 90, il a montré à la fois son amour de l'histoire du rap et sa capacité à adopter un personnage. Mais à quoi ressemble le vrai Denzel Curry ? Melt My Eyez See Your Future répond à cette question de manière inoubliable. Poli mais nerveux, commercial mais né dans un sac à dos, Eyez est aussi franc que drôle, utilisant des producteurs de premier plan (Kenny Beats, Thundercat) et des invités dynamiques (T-Pain, Slowthai) pour traverser les humeurs et les sons avec un rebond sans effort. Parfois, larguer des barres encore plus brutales que son époque d'horrorcore ("Les flics tuent les noirs quand les blancs en font le plus / Et votre soi-disant révolution n'est rien d'autre qu'un poste", bouillonne-t-il sur "The Last"), il y a immense rejouabilité pour Eyez, qui est à la fois le LP le plus accessible de Curry et l'un des meilleurs albums de rap de l'année. – Evan Sawdey

"L'histoire est plus arbitraire que la science-fiction, car l'histoire s'écrit en fonction de ce qu'on veut qu'elle montre", rappelle Lucrecia (Martel). Et donc : la musique est un voyage dans le temps. Parce que les tempos bolero-son du triomphe de la pop spéculative-fiction de Lucrecia Dalt ¡Ay! sont autant des ancres narratives que des portails : "No Tiempo" fait vibrer une flûte si flottante qu'elle coupe la ligne des arbres et la trompette - Est-ce le chug de la jungle de l'Amazone ? Juste une table en bois, une tasse de thé qui flotte ? – et "Atemporal" rend explicites les intentions tendues du projet en matière de voyage dans le temps : la rumba et le synthé s'entremêlent, notre vie s'entrechoque d'avant en arrière. Un passé remémorable et un avenir sonore, ce n'est que de l'écriture de chansons, nous implore Lucrecia (Dalt). On bride comme on fléchit, deux fois en même temps. – Falissi

Pour paraphraser Kurt Vonnegut, le rap ne doit pas disparaître dans son trou du cul. Defcee comprend le vide du formalisme sans tripes, adhérant plutôt à l'adage d'Hemingway en saignant dans chaque barre bien sculptée. Sur For All Debts Public and Private, l'album collaboratif du rappeur de Chicago avec le producteur (et compatriote de Chicago) BoatHouse, il utilise les compétences qu'il a renforcées dans les célèbres micros ouverts de la ville, tissant habilement des métaphores avec autant de confiance et de sérieux. Il oscille entre des salves dévastatrices visant des opposants anonymes, des révélations personnelles et des analyses sociopolitiques, transformant la banalité paternelle de laver les biberons en un flex, embrochant les alarmistes de la culture d'annulation et les politiciens gerrymandering. Vous pouvez également trouver des chansons dédiées à l'amour chez les adolescentes ("Summer 06") et aux prises avec le vice (l'Armand Hammer avec "Rossi"). BoatHouse propose une mise à jour subtilement brillante du boom-bap de la côte Est, chaque battement d'une autre bande sonore pour les trajets en train les jours d'hiver glacials. L'édition d'importation étendue de l'album confirme que Defcee est l'un des meilleurs rappeurs de Chicago et que le duo devrait se réunir pour une suite. – Max Bell

La maestro chanteuse/speaked word Florence Shaw ouvre Stumpwork, le deuxième album de Dry Cleaning, avec une question parfaitement accrocheuse : "Devrais-je proposer une amitié ?" À partir de là, le quatuor britannique remplit sa part du marché : il colore le post-punk de ses débuts en 2021, New Long Leg, avec de nouveaux sons astucieux, des camées de saxophone aux mélodies de la dream pop. Mais ils n'ont pas non plus perdu l'immédiateté à laquelle vous étiez accro : "Gary Ashby" est une explosion d'énergie sur laquelle vous pouvez danser, tandis que cette ligne de basse sur "Conservative Hell" vous fera (espérons-le) moins penser au manque de agence à grandir de manière conservatrice et plus sur ce crochet contagieux. – Pape Cervanté

Depuis son ouverture d'une cassette qui clique sur une platine, la mixtape de 17 titres de FKA Twigs nous emmène à travers un univers protéiforme de dancehall, de R&B moucheté de pièges et de pop rêveuse qui contourne le courant dominant pour rester inventif. Comme la préparation exubérante et délicieusement chaotique d'une soirée au club, les bandes sonores emportées par le vent des propres amis de Twigs se ralliant pour s'élever mutuellement rencontrent des collaborations puissantes (Jorja Smith, The Weekend, Daniel Caesar, Shygirl, Pa Salieu ). Ces sons imprègnent le "récit de guérison" du chanteur britannique d'une véritable ambiance de danse en pleurant, décidant de s'amuser à la fin du monde : les chansons dont nous avons tous besoin en ce moment. – Andrea Bussell

Freddie Gibbs a attendu plus d'une décennie pour sortir son premier album de major, $oul $old $separately. Plus précisément, le natif de Gary, Indiana, a passé les années après qu'Interscope l'ait laissé tomber à créer un catalogue irréprochable, affinant des histoires sombres de ventes de crack et se moquant de la politique de l'industrie du disque sur des rythmes de trap hurlants, des suites Madlib avant-gardistes et des productions lugubres d'Alchemist. $$$ n'offre pas un récit différent au point de transformer la vie de Gibbs en un blockbuster. La production est plus grandiose, les rythmes variés mais collectivement cohérents de tous, de Madlib et Kaytranada à James Blake, recouverts du même lustre qui fait briller les yachts au soleil. Gibbs rappe avec plus de raffinement, passant et sortant des cadences à double temps et livrant des couplets à moitié chantés comme un membre perdu depuis longtemps de Bone Thugs. Lyriquement décollé dans le temps, il saute entre des décennies de conflits et de succès, versant du champagne pour célébrer, achetant des diamants pour l'aveugler du SSPT et soufflant de la fumée contondante pour étouffer les démons persistants. Le thème du casino de l'album est lâche, mais il parle du pari que Gibbs a pris avec $$$ : Il a fait un album à vocation commerciale sans faire de concessions artistiques. Et il a gagné. - Cloche

Gospel est le retour le plus inattendu et le plus bienvenu de 2022 - qui pensait que les mystiques avant-hardcore de New York reviendraient un jour? Considérant que leur dissolution initiale découlait d'une combustion trop chaude et que leurs débuts sont sortis en 2005 (!!!), The Loser semble étonnamment prêt à s'entasser dans la camionnette et à déchirer la merde avec Converge une fois de plus. Les claviers, à savoir les meurtriers fiables Mellotron et l'orgue, occupent une place plus importante ici – l'ouvreur "Bravo" est la façon dont Jon Lord dirait "Je veux voir une putain de fosse circulaire", et ils conduisent "SRO" du rageur hardcore noueux à l'extase qui fend la tête . Et lorsqu'il s'agit de pur muscle de sueur de guitare, "White Spaces" montre qu'ils peuvent fléchir avec une confiance sans faille. – O’Connor

JID avait été assez muet sur les détails de son éducation, mais tout cela a changé sur The Forever Story, une autobiographie tentaculaire et tardive du rimeur d'Atlanta. Ici, il fusionne des flux triples nerveux avec des détails précis de son passé, racontant des histoires de boeuf avec sa sœur ("Sistanem"), de combats de rue familiaux ("Crack Sandwich") et de résilience. "Dance Now" et le "Bruddanem" présenté par Lil Durk présentent des rimes agiles et une narration imagée, mais le plus remarquable est "Kody Blu 31", avec la voix expressive de JID, l'écriture symbolique et une fusion gospel inattendue. – Peter A. Berry

Ces rockers australiens prolifiques et alarmants ont souvent consacré des albums entiers à un seul genre. Mais ils se sont rarement étendus aussi sans vergogne qu'ici, avec sept chansons sur une heure de musique créées à partir de marathons de jam sessions à changement d'instrument. "Ice V" est du pur funk couleur Jerry ; « Lava » est un mantra flûté sur les volcans et les serpents ; et le "Hell's Itch" de 13 minutes ne sonnerait pas à sa place en hurlant des haut-parleurs hippies d'un van sur le parking d'un spectacle Dead. Atterrissant dans un territoire plus familier à trois guitares, "Iron Lung" mijote avec "pourquoi mon corps ne fonctionne-t-il pas?" se lamente avant d'exploser en une finition riff-tastique, chantée par Ambrose Kenny-Smith, digne d'AC/DC du début des années 80. Plus s'il vous plait. –Cohen

Quatre ans après que le single "Abusey Junction" de Kokoroko ait attiré l'attention d'Internet, le groupe londonien de huit musiciens tient cette promesse avec son premier album. Grouillant de cuivres triomphants et de rythmes complexes, le projet est un mariage habile et assuré de sons couvrant la diaspora africaine - de la guitare highlife chatoyante et fortement chorale sur "Ewà Inù" aux grooves funk de "Something's Going On" aux voix influencées par l'évangile sur "Those Good Times". Le titre de l'album suggère un esprit d'effort, un effort vers l'au-delà ; une piste hors concours s'intitule à juste titre "Age of Ascent". Ce LP expansif et de grande envergure atteint cet objectif. – Kriska Désir

Steve Lacy a eu un bon coup de pouce en popularité après que "Bad Habit" ait enregistré tous les types de vidéos, des plus banales aux plus inspirantes, sur TikTok. L'extrait de "Je me mords la langue, c'est une mauvaise habitude" a alimenté l'ascension de la chanson au n ° 1 du Hot 100 en octobre. Devenir viral avec plus de 500 000 vidéos TikTok signalées a généré une attention bien méritée pour Gemini Rights, sur laquelle il rebondit après une rupture réelle et vise à aimer plus fort. Le guitariste et producteur Internet fusionne la pop de chambre ("Helmet"), le R&B délicat ("Mercury") et l'indie funk ("Sunshine" avec Fousheé) pour former une identité sonore qui lui est propre. À la fin de l'album, il est passé à autre chose et prêt à partager à nouveau son cœur. – Éric Diep

Cate Le Bon a déjà fait un album de verrouillage avant son album de verrouillage, après avoir décampé dans une région montagneuse isolée d'Angleterre pour créer son sublime et délicat album de 2019, Récompense. Mais lorsque des circonstances similaires se sont produites, pas de son propre choix, lors de la réalisation de la suite Pompéi, l'auteur-compositeur gallois a pris un marteau sur l'immobilité de cet album, créant des sculptures expressionnistes à partir de ses fragments brisés. Merveilleuse œuvre de dadaïsme art-pop traversant le post-punk des années 80 et le Bowie de l'ère berlinoise, Pompéi associe des observations obliques (comme "Imaginez la fête où vous vous tenez à une époque moderne" ou "Dans le remake de ma vie, Je me déplaçais en lignes droites") avec des arrangements ludiques de travers. Le point de vue de Le Bon sur l'évasion n'a pas de destination fixe - elle fixe simplement sa boussole ailleurs, savourant le paysage inconnu tout en redécouvrant le plaisir de se perdre. – Jeff Terich

Lucky Daye fait le tour de l'industrie depuis longtemps, auditionnant pour American Idol en 2005 et co-écrivant le tube "She Got Her Own" de Ne-Yo et Jamie Foxx en 2008. Mais le chanteur de la Nouvelle-Orléans, qui vient d'avoir 37 ans, a finalement atteint un point de basculement cette année, remportant son premier Grammy et inscrivant son premier succès dans le Hot 100 avec l'échantillon "Over" de Music Soulchild. Il a même écrit un hit country, "Wishful Drinking" d'Ingrid Andress et Sam Hunt. Son deuxième album, Candydrip, est le sommet après cette lente ascension de carrière – un triomphe de ballades densément texturées, de voix de fausset lisses et de paroles méditatives sur les relations toxiques. – Al Shipley

Le beat-splicer Makaya McCraven a passé la majeure partie de la dernière décennie à déconstruire des spectacles collaboratifs en direct dans un collage de sa propre imagination. C'est une pratique singulière, coupant des sections d'improvisation sur scène de différentes époques et acteurs dans une nouvelle expérience intuitive. Pourtant, In These Times place l'oreille du batteur de Chicago pour la composition dans la salle de concert du studio, avec une chirurgie de production minimale. Les douces mélodies qui en résultent jouées par le guitariste Jeff Parker et la harpiste Brandee Younger imprègnent les rythmes frénétiques de McCraven, créant son disque le plus chaleureux et le plus engageant à ce jour. Un témoignage de la puissance artistique ici et maintenant. – Ammar Kalia

À l'époque, Melody Prochet considérait Bon Voyage de 2018 comme la fin de Melody's Echo Chamber – un temps pour un arc et une sortie. Et considérant qu'il a fallu six ans pour donner suite à ses débuts éponymes en 2012 - et qu'elle a subi un "grave accident" en 2017 - il semble raisonnable de la prendre au mot. Ce fut donc une surprise qu'elle arrive avec un nouvel album (relativement) rapidement, revenant de quelques années réparatrices à élever une famille dans les Alpes françaises, avec Emotional Eternal, un assortiment scintillant de psychédélisme baroque. Si Melody's Echo Chamber était un disque de découverte aux pattes fauves, et Bon Voyage était un voyage fou et kangourou dans l'au-delà, Emotional Eternal est Prochet trouvant des eaux (relativement) calmes et stables. Comme un écho résonnant de manière imprévisible sur les murs, le voyage continue. –Nate Rogers

Messa a un jour décrit leur son comme "un destin écarlate", et vous n'avez pas besoin de synesthésie pour comprendre pourquoi. La musique vive et dramatique du groupe italien est la couleur du sang, la couleur du vin, la couleur des films de leurs compatriotes Mario Bava et Dario Argento. Sur leur troisième album, Close, ils ajoutent des doses généreuses d'oud, de mandoline et de duduk à une palette sonore qui comprenait déjà le piano et le saxophone Rhodes. Le doom metal n'est pas un ensemble de contraintes pour Messa mais un principe organisateur. Chaque nouveau son qu'ils intègrent sert leur vision tonitruante. Au moment où la chanteuse Sara Bianchin drape le riche velours de sa voix sur des chansons comme "Suspended" et "Pilgrim", vous êtes déjà sous l'emprise de Messa, emporté par leur marée écarlate. – Ponceuses

Le sixième album de Mitski, Laurel Hell, est un triomphe - de bops hantés, de sentiments complexes et de synthé sublime. Il est difficile de choisir un morceau qui se démarque : la pièce majeure-mineure de « Working for the Knife », le piano hymne et le rythme énergique de « Stay Soft », les rythmes synthétisés de « The Only Heartbreaker » et « Love Me More », le Blondie-esque "Should've Been Me", la tristesse jubilatoire soutenue par le klaxon de "That's Our Lamp". Il est tissé par la voix claire comme une cloche de Mitski Miyawaki, son shoegaze rebondissant et ses sentiments difficiles. Laurel Hell s'adresse à tous ceux qui craignent d'avoir fait de mauvais virages - ou qui ont fait faire des virages pour eux - et qui veulent le boogie jusqu'à ce que la possibilité frappe à nouveau. – Hilarie Ashton

2020 aurait dû être l'année de maman, mais la pandémie a éclipsé ce qui devait être leur deuxième album en petits groupes, Two of Me. Pourtant, le duo de Brooklyn est revenu plus fort que jamais avec son premier album Polyvinyl, Household Name. Avec des mélodies contagieuses et des paroles mordantes, Household Name regorge de futurs hymnes angoissants. Le projet sert d'album conceptuel lâche et satirique sur la montée en puissance en tant que rock stars, tout en entrelaçant des récits personnels et sincères, comme dans "Lucky", une chanson mélancolique sur les difficultés d'être séparé de son partenaire sur la route. Momma rend hommage à leurs héros musicaux, à savoir Pavement, Smashing Pumpkins et Liz Phair, tout en façonnant leur musique pour qu'elle sonne de manière originale. – Tatiana Tenreyro

Mieux connue pour ses rythmes industriels et ses créations parlées conflictuelles, la musique de Moor Mother rappelle souvent le livre que les situationnistes ont publié avec des couvertures en papier de verre – plus elles sont abrasives, plus elles sont difficiles à marchandiser. Construit à partir de free jazz et de hip-hop avec un clin d'œil à la néo-soul, Jazz Codes est son album le plus accessible sur le plan sonore, mais il reste intransigeant et devient peut-être plus puissant. Rappant parfois comme une voyante en transe, la musicienne de Philadelphie, aidée de divers collaborateurs, dérange et élève avec des moments calmes et étranges, comme si elle tenait une séance de jazz/blues/rap, une communion des générations noires, une prière pour la continuation. –Beverly Bryan

Plutôt que de simplement recréer ses débuts, Haru Nemuri a choisi la déconstruction pour son deuxième album. Le mot apparaît dans les titres des chansons de Shunka Ryougen, et c'est la clé de la façon dont le disque reconfigure le mélange d'art rock, de noise pop et de hip-hop de Nemuri. Après la première coupe "Never Let You Go" vire à une panne de nu-métal, le projet tentaculaire donne l'impression qu'il peut aller n'importe où en un instant. Feedback plonge brusquement "Heart of Gold" dans la frénésie post-hardcore de "Shunrai", tandis que "Old Fashioned" lance de manière inattendue un crochet hyperpop Auto-Tuned. Nemuri, astucieusement, sait qu'aller n'importe où signifie aussi savoir quand aller directement - comme sur le refrain pop noise en cascade de "Bang" ou avec son refrain le plus direct : "Qui diable brûle la forêt ?" – Marin

Please Have a Seat de NNAMDÏ double les contradictions pour lesquelles le multi-instrumentiste de Chicago s'est fait connaître. L'ouverture emo-pop de l'album, "Ready to Run", fait irruption dans la chanson trap de style Migos "Armoire", mettant en valeur sa signature fusionnant des genres disparates. Et malgré l'invitation du titre de l'album à se joindre à un moment de pause, le refrain du projet fait allusion à une agitation existentielle ("Certains jours, je me réveille prêt à courir aussi loin que mes jambes me portent"). Toute l'expérience est inscrite dans une pop accrocheuse et mélodique, même si les paroles pointent vers l'aliénation et l'anxiété. En fin de compte, Please Have a Seat n'est pas seulement une invitation ; c'est aussi le refus audacieux d'un artiste de nier sa multiplicité. – Désir

Trente ans après avoir fait le pont entre folk et électronique, Beth Orton est tranquillement devenue l'une des synthésistes les plus subtiles qui soient. Weather Alive, si immersif et si intrépide qu'il se joue comme un album de retour, mêle le folk d'Albion à l'avant-jazz, les pulsations électroniques aux accords de piano prismatiques, l'imagerie lyrique concrète aux textures musicales ambiantes, Solid Air au Nebraska. C'est un album sur le fait d'être submergé - par le monde naturel, par une chanson préférée, mais un souvenir à la fois précieux et redouté. "Il fait si beau dehors", chante-t-elle sur la chanson titre. « Ça me donne presque envie de pleurer. C'est aussi un album qui bouleverse, par un artiste qui rend le son sublime parfaitement sobre. – Stephen Deusner

"C'est presque sec. Album rap de l'année." La confiance de Pusha T était clairement contagieuse – même Tom Brady est devenu un croyant. King Push pense que son quatrième album studio lui vaudra un Grammy parce que personne ne rappe avec la même méchanceté et la même intelligence. Il a appelé Pharrell Williams et Kanye West pour faire une bataille pseudo-Verzus de 6 contre 6, créant un maillage stylistique pour que le maître de cérémonie coupe plus de références à la cocaïne avec son humour et son pathos habituels. C'est l'un des rares albums de rap sans sauts et avec une fonction Jay-Z ("Neck & Wrist"), illuminant un puriste technique dont le but est de garder le produit à venir. – Éric Diep

Le deuxième long métrage de Raveena est présenté comme un album conceptuel sur les aventures d'une princesse de l'espace punjabi. Cette structure lâche donne à l'artiste la possibilité de fléchir son ambition : les percussions indiennes et les références bollywoodiennes animent son R&B effervescent, tandis que la vision éthérée cache une écriture pointue. "Kathy Left 4 Kathmandu" s'attaque sans pitié à la marchandisation occidentale de la spiritualité orientale, mais même "Rush", qui frappe comme de l'ocytocine convertie en ondes sonores – pensez à Mariah Carey à son plus pétillante – a un avantage. Des paroles comme "Heard she's made of music / Ready for your ruin / American fantasy" jettent un regard ironique sur le fait d'être exotifiée dans une relation. – Bryan

Dawn Richard est l'une des futuristes les plus passionnées de la pop, et sur Pigments, sa voix traverse les loupes moussues et les dendrites des arrangements de Spencer Zahn comme une éclaboussure de sang extraterrestre argenté. Le frisson d'entendre une telle attention prodiguée aux filigranes et fioritures orchestrales est un plaisir essentiellement démodé, et Pigments ressemble plus à un cycle de chansons pop de chambre qu'à l'un des disques solo d'acier de Richard. Mais elle se tient en son centre comme un phare de la bizarrerie futuriste, sa voix recouverte d'effets de voix de Dieu, cédant de l'espace à Zahn si nécessaire pour que chacune de ses apparitions ressemble encore plus à un événement sismique. – Bromfield

Rosalía est devenue une superstar internationale avec son deuxième LP, El Mal Querer de 2018, gagnant la pression de suivre son projet révolutionnaire de flamenco-trap avec quelque chose d'aussi excitant et frais. Avec Motomami, elle prouve sa polyvalence, incorporant une pléthore de nouveaux sons et styles, dont le jazz, le boléro et le dembow. Avec des chansons aux noms amusants comme "Chicken Teriyaki" et "Hentai", Rosalía vous laisse deviner ce que vous allez obtenir. Heureusement, les morceaux eux-mêmes attirent autant l'attention que leurs titres. – Tenreyro

Le troisième album dynamique de Saba, Few Good Things, insiste sur le lien inextricable entre le passé et le présent, la joie et la douleur, la beauté et la perte — un équilibre symbolisé à la fois sur l'album et dans un court métrage qui l'accompagne près de la maison de l'arrière-grand-mère du rappeur sur le Côté ouest de Chicago. Alors même que Saba explore la peur lancinante de perdre sa stabilité durement acquise sur "Fearmonger", par exemple, il le fait avec ironie, fléchissant son lyrisme agile et ludique. Il résiste à la réduction de sa vie à un traumatisme ; dans cette lettre d'amour à la maison du rappeur, Saba montre que sa vie et sa musique sont tellement plus. – Désir

Sur Squeeze, Sasami subvertit la toxicité du heavy metal, donnant au genre un coup de pouce bien nécessaire en matière d'intelligence, d'écriture de chansons et d'élégance. Musicienne de formation classique qui a flirté avec l'indie-folk lors de ses débuts en 2019, Sasami pivote avec succès dans tous les sous-genres de la musique lourde. Ce deuxième album démarre avec le scuzz thrash metal de "Skin a Rat". Plus tard, elle frappe un club gothique industriel sur "Say It". Même le doom orchestral fait une apparition sur la finale "Not a Love Song". Squeeze n'est pas votre disque de hard rock typique. C'est quelque chose de bien plus convaincant - une explosion nucléaire qui éteint tant de médiocrité du métal. – Matt Sigur

A l'ère d'Internet, tout est gratuit : les films, les romans, les albums, mais aussi l'information. On nous avait promis une utopie technologique, un monde Jetsons, mais avoir la somme de la société à portée de main n'a pas empêché le train de déraper. Et alors que nous descendions pour constater les dégâts, il y avait l'un des premiers techno-critiques, Thom Yorke, qui attendait, souriant. "Free in the knowledge / That one day this will end" est la façon dont le toujours joyeux Yorke nous console sur "Free in the Knowledge", en haussant pratiquement les épaules. Réalisé avec son ancien général de Radiohead Jonny Greenwood (de la guitare à la harpe) et la nouvelle recrue Tom Skinner (batterie), A Light for Attracting Attention de The Smile n'est pas tout à fait un album de Radiohead, tant dans le son que dans l'esprit. Au lieu de cela, c'est une tentative de faire quelque chose que Radiohead ne s'est jamais permis de faire : passer en revue presque tous les sauts sonores que le groupe a entrepris pour arriver ici. Il y a l'assaut poignardant à la guitare de The Bends ("You Will Never Work in Television Again"), l'attaque de panique imprégnée de synthé de Kid A ("We Don't Know What Tomorrow Brings"), le ballet arpégé de In Rainbows (" Skrting sur la surface"). Et la principale ligne directrice de tout cela est, bien sûr, notre mec Yorke, ressemblant tour à tour à un fou ou à un prophète. Quelqu'un peut-il plus faire la différence? –Nate Rogers

Combinant des flux agiles avec des émotions profondes (et la voix flexible pour vous les faire ressentir), Luv 4 Rent de Smino est un portrait impressionniste d'une romance, d'une famille et d'un funk imparfaits. Pour le projet, le rappeur de Saint-Louis oscille entre des punchlines associatives semi-libres et des moments de profonde vulnérabilité, les enfilant avec honnêteté, esprit effronté et beaucoup de sincérité. Il peut être un peu occupé et il y a beaucoup de matériel à déballer – mais avec sa chaleur sincère et chaleureuse, l'album vous invite à vous asseoir un moment, Smino étant le type d'hôte pour vous chanter une chanson. – Baie

Les Soul Glo de Philadelphie sont les porte-parole de cette génération moderne de hardcore. Et sur les problèmes de la diaspora qui changent la donne, ils infligent coup de poing après coup avec leur maelström sonore singulier – renversant en fait le plan du genre tout en faisant honte à leurs contemporains. Leur quatrième LP est un pot bouillonnant de rage justifiée contre le système dominé par les hommes blancs, que ce soit dans la scène DIY ou le paysage politique, et Diaspora Problems laisse présager un groupe en ébullition et sur le point. L'album occupe son propre univers, créant une cacophonie enivrante et accrocheuse de fureur hardcore, de grooves hip-hop et d'éclaboussures électroniques. "Qui va me botter le cul ? Qui va me botter le cul ?" gémit le chanteur Pierce Jordan. Rassurez-vous, le seul coup de pied de cul viendra avec l'aimable autorisation de Soul Glo. Un classique instantané s'il en est un. –Brad Cohan

Lorsque vous écoutez le nouveau Spoon, vous pourriez vous surprendre à penser : "Est-ce qu'ils peuvent le refaire ?" Sur le 10e album studio du groupe, Lucifer on the Sofa, les temps forts arrivent tôt et souvent. Les fans apprécieront sans aucun doute la pause de guitare rugissante sur "The Hardest Cut", la chanson d'amour / hymne un-deux coup de poing de "Wild" et "My Babe", et les pianos Bowie-esque dans "On the Radio". Le disque s'appuie sur l'une des meilleures chansons du catalogue déjà solide du groupe : la chanson titre, avec des saxophones qui sonnent comme des cris lointains d'une ambulance. À la fin de la dernière chanson, vous pourriez vous retrouver encaissé sur le canapé, choqué par ce qui vient de se passer. C'est alors que vous vous rendez compte, "Putain, Spoon l'a encore fait." – Sigour

Ramona Park Broke My Heart est un collage de vérités compliquées. Sur "The Beach", Vince Staples distille des souvenirs de veillées aux chandelles et plaisante sur les ennemis tombés avec humour noir et sincérité, des tons opposés qu'il parvient à enfiler de manière transparente. Avec son rebond ambiant de la côte ouest et sa mélodie décontractée, "Lemonade" sonne comme un sursis léger, mais ses paroles expliquent comment les illusions d'amour peuvent entraîner une tombe précoce. Staples utilise le sous-texte, la musicalité sous-estimée et l'esprit ironique pour réduire la distance entre les émotions et atteindre une condition de base de la vie : la plupart des choses sont un peu bonnes et un peu mauvaises. Doux-amer, en effet. – Baie

Sur son premier album sous le nom de Sudan Archives, Athena de 2019, Brittney Parks a proposé une imagination polie et sculpturale de sa musique. Armée de son violon, elle a produit un somptueux entrelacement de traditions de cordes non occidentales et de mélodies R&B. Natural Brown Prom Queen de cette année est un départ marqué. Fini son équilibre précédent, remplacé à la place par des crochets vermifuges et des refrains chantants qui penchent vers la pop. Riffant à travers des claps soul et des mélodies à une corde sur "NBPQ (Topless)," chantant sur une basse tonitruante sur "Selfish Soul" et rebondissant sur le synth-funk de "Chevy S10", Natural Brown Prom Queen est Parks libéré dans un glorieux l'expérimentalisme, avec le violon l'instigateur de son parti. – Kalia

À la base, Wet Leg sont des agents du chaos sur leur premier album éponyme, une émeute de guitares zoomées et de crochets acérés qui encadrent des explorations amusantes de la luxure et de la léthargie. Sous l'affect vocal ultra-sec de la chanteuse Rhian Teasdale coule une cascade d'émotions fortes alors qu'elle embroche des interactions par cœur lors de soirées fastidieuses, appelle des ex-petits amis qui se masturbent et, sur le single délicieusement impassible "Chaise Longue", transforme une chaise inclinable en totem de séduction. En plus des chansons serrées et accrocheuses, ce qui rend Wet Leg si convaincant, c'est la séquence d'impudence sournoise qui les fait lever : Teasdale et Hester Chambers sont drôles, débauchés et inébranlablement sûrs d'eux. – Eric R. Danton

Billy Woods est un talent lyrique singulier qui est souvent en bonne compagnie. Il est la moitié d'Armand Hammer, dont Haram figurait sur la liste des meilleurs albums de 2021 de SPIN, et a partagé l'espace de cire avec des animateurs comme Moor Mother et des producteurs tels que Kenny Segal et Messiah Musik. Aethiopes n'est pas différent à cet égard, Woods cette fois rejoint par Preservation, qui a précédemment collaboré avec Ka et a sorti un album de rythmes issus de découvertes obscures à Hong Kong. Les fouilles de caisses les plus profondes de Preservation jettent les bases sombres des récits complexes de Woods, entrelacés avec des images de despotes en disgrâce, de conflits conjugaux et chevauchant un pégase noir avec la tête de Méduse dans un sac. Aethiopes est Woods à son plus anxieux et surréaliste, un point culminant de carrière suivi d'un autre banger six mois plus tard. – Terich

Le premier album du punk du sud de Londres Wu-Lu est une classe de maître dans l'art d'exploiter les mécontentements de la vie urbaine moderne pour créer des morceaux entraînants et pleins de groove de catharsis communautaire. Le single "South" présente son baryton graveleux alors qu'il déplore la gentrification du quartier à prédominance caribéenne de Brixton, balayant des guitares tonitruantes et des tambours lo-fi claquants ; pendant ce temps, des numéros comme "Times" et "Broken Homes" virent plus loin dans le grunge prêt pour le moshpit, le tout soutenu par des mélodies mémorables et chantées. Les traits habiles de la chanteuse Léa Sen et du rappeur Lex Amor s'ajoutent à l'ensemble de talents à venir de Wu-Lu, le marquant comme un puissant orchestrateur de la désaffection musicale. – Kalia