Un regard sur quatre expositions de San Antonio

Dec 13, 2023

Panneau d'exposition "Milk" pour Sean Thomas Johnston à la Fl!ght Gallery, San Antonio. Photo : Colette Copeland.

Milk — Verre contemporain par Sean Thomas JohnstonFl!ght Gallery5 janvier – 29 janvier 2023

"Marbre de lait" de Sean Thomas Johnston. Photo : Colette Copeland.

Mieux connu pour ses billes de verre aux détails complexes, dans son exposition actuelle, Milk at Fl!ght Gallery, Sean Thomas Johnston s'écarte du soufflage de verre traditionnel et s'aventure plutôt dans le domaine conceptuel de l'art contemporain. En entrant dans la galerie, j'ai tout de suite pensé à Duchamp et à son esprit subversif. Trois murs sont tapissés de robinets laissant couler des gouttes blanches. La référence au ready-made, cependant, s'arrête là. Alors que Johnston s'est procuré les luminaires chez Home Depot, les gouttes sont des formes délicates et organiques de verre blanc soufflé à la bouche. En parlant avec l'artiste, il m'a dit que le verre blanc est particulièrement difficile à travailler, car le lait translucide peut facilement passer à une couleur brûlée lorsqu'il est mal manipulé. Bien que Johnston ne soit pas directement inspiré par Duchamp, il faisait référence au passage de la matière du liquide au solide et créait une illusion d'optique avec ses sculptures.

Des billes de verre sont également exposées. Ceux-ci demandent beaucoup de travail et présentent des motifs organiques méticuleusement superposés. Les tenir à la lumière crée un effet kaléidoscopique, y compris des étincelles arc-en-ciel magiques, qui, selon Johnston, sont des opales synthétiques. Les photos ne rendent pas justice au travail, donc si en ville, il faut absolument le voir en personne.

Sean Thomas Johnston, « Milk », vue d'installation, 2023. Photo : Colette Copeland.

Sean Thomas Johnston, "Milk Drip" (détail). Photo : Colette Copeland.

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Kim Bishop, "Cœurs". Image fournie avec la permission de l'artiste.

Kim Bishop: Threads & AftershocksOuverture en mars 2023 à la Sala Diaz

Le travail de l'artiste Kim Bishop explore les liens familiaux et les liens qui nous unissent individuellement et collectivement au fil du temps. Enracinées dans le corps, ses pièces posent des questions sur la liberté de genre, les droits parentaux et la façon dont l'histoire se répète. Threads & Aftershocks présentera une nouvelle série de dessins de fils et de dessins au graphite à grande échelle. L'exposition devait ouvrir le 6 janvier, mais est reportée au mois de mars en raison de problèmes d'entretien de la galerie.

Au lieu de voir l'exposition dans la galerie, j'ai rendu visite à Kim dans son home studio pour discuter de son travail. Un dessin grandeur nature a immédiatement capté mon attention. Inspiré d'un tableau de Carlos Orozco Romero, I Carry You met en scène une femme dont le visage est enveloppé de tissu. Son collier (représenté par Bishop comme un contour) est fait d'un cactus avec des épines intactes; elle tient un bol pour recueillir son sang versé par les épines. Symboliquement, la femme est censée mettre ses vœux/péchés dans le collier et est ensuite exhibée en public pour lui faire honte. Pensez à Scarlett Letter. La version de Bishop comprend une pléthore d'images surréalistes et détaillées à l'intérieur du torse de la femme. Conceptuellement, ce travail fait référence à l'avortement et à la récente abolition de Roe contre Wade, mais il parle également de l'éducation et de la force vitale de l'amour maternel, qui prévaut malgré tous les obstacles.

Kim Bishop, "Mother's Prayer" 2022. Photo publiée avec l'aimable autorisation de l'artiste.

Kim-Bishop, "My Grandmother's Thread 3", 2022. Photo publiée avec l'aimable autorisation de l'artiste.

Kim Bishop, "Lithograph and Thread", 2022. Photo publiée avec l'aimable autorisation de l'artiste.

Bishop a également travaillé sur une série de dessins au fil délicats réalisés à partir du kit de couture de sa grand-mère. Pour les réaliser, elle commence par un dessin au trait de contour puis brode sur le papier. Elle emploie également une technique de gravure dans laquelle elle brûle le dessin au fil sur une plaque de lithographie, qu'elle imprime et coud ensuite. Cette traduction de matériaux fonctionne conceptuellement comme l'imbrication de familles multigénérationnelles, de traumatismes héréditaires et de fil qui empêche les liens de se défaire.

Deux dessins qui m'ont particulièrement touchée sont Mother's Prayer et Grandmother's Thread. La prière de la mère est un dessin au trait de contour de fil du fils de Bishop avec ses deux enfants. Un enfant est dans ses bras et l'autre marche main dans la main avec son père. Le travail représente les luttes de la lutte pour les droits parentaux, ainsi que la volonté de s'assurer que ses enfants aient la meilleure vie possible. Grandmother's Thread est un autoportrait minimaliste aux lignes de contour. Les fils rouges et bleus représentent le sang qui voyage à travers le corps, d'abord non oxygéné puis oxygéné avec la force vitale. Cela fait référence aux lignes de vie - la connectivité de la famille dans nos veines.

Kim-Bishop, « I Carry You », 2022, graphite sur papier, 5 x 3 pouces. Photo publiée avec l'aimable autorisation de l'artiste.

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Jesus Treviño, "Carnesazo", 2021. Photo publiée avec l'aimable autorisation de la Presa House Gallery.

Jesus Treviño, "Les souvenirs viennent par vagues", 2022. Photo avec l'aimable autorisation de la Presa House Gallery.

Jesus Treviño: Phantom in the HeadlightsPresa House Gallery6 janvier – 18 février 2023

Les peintures de Jesus Treviño utilisent l'imagerie familiale comme matériau source, explorant l'expérience de l'artiste qui a grandi à la frontière américano-mexicaine, ainsi que les thèmes du déplacement et de l'effacement de l'histoire. L'une des œuvres de l'exposition, Recuerdos Left in the Dust, est une peinture à l'huile à deux panneaux présentant des coups de pinceau tourbillonnants qui évoquent une tempête de poussière du Texas avec des figures éthérées en son centre et une camionnette blanche sur le tiers droit de la toile. Treviño capture la beauté du ciel du Texas, peignant habilement la lumière et la couleur changeantes d'une tempête imminente. Alors que les personnages qui représentent la mémoire s'effacent, l'hyperréalisme du camion offre un contraste saisissant avec le présent. Treviño ajoute également de l'huile moteur usagée du concessionnaire automobile de sa famille sur la toile, ce qui empêche la peinture de sécher complètement. En tant que médium, l'huile moteur est riche de connotations, faisant référence au travail manuel ainsi qu'à la pléthore de puits de pétrole et de raffineries du Texas.

Jesus Treviño, "L'huile sur l'eau trouble", Panneau de gauche. Photo publiée avec l'aimable autorisation de la galerie Presa House.

Jesus Treviño, "L'huile sur l'eau trouble", panneau du milieu. Photo publiée avec l'aimable autorisation de la galerie Presa House.

Jesus Treviño, "L'huile sur l'eau trouble", Panneau de droite. Photo publiée avec l'aimable autorisation de la galerie Presa House.

En regardant l'ensemble de l'exposition, il devient clair qu'il y a eu un changement dans la palette de couleurs de Treviño en 2022. Les œuvres antérieures utilisent des jaunes chauds, comme à Carnesazo, qui représente un barbecue en plein air avec deux personnages. Une jeune femme et une chaise sont peintes avec des détails vifs, mais la figure masculine s'estompe dans le fond saturé de soleil. J'interprète cela comme le souvenir des souvenirs d'un membre de la famille qui est décédé. L'artiste décrit cette œuvre comme symbolisant la foi que l'on porte en soi.

Jesus Treviño, "Recuerdos Left in the Dust", 2022 panneau de gauche. Photo publiée avec l'aimable autorisation de la galerie Presa House.

Jesus Treviño, "Recuerdos Left in the Dust", 2022, panneau de droite. Photo publiée avec l'aimable autorisation de la galerie Presa House.

Il était difficile de déterminer les peintures sur lesquelles écrire, car beaucoup sont imprégnées d'un récit et d'un contenu riches. Le tour de force de l'exposition est l'œuvre en trois panneaux intitulée Oil Over Troubled Water. La composition montre le Pont des Amériques (reliant Ciudad Juarez et El Paso), avec le fleuve Rio Grande au milieu d'un énorme tsunami. Les spectateurs regardent passivement la tempête alors que les vagues menacent de détruire le pont. Le troisième panneau montre le calme après la tempête, avec le pont toujours intact. Treviño utilise le bleu céruléen pour représenter l'événement tumultueux, mais laisse le pont incolore, un simple contour manquant de détails. Le pont est une présence spectrale, symbolisant un espoir ou un rêve plutôt qu'un souvenir.

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Lordy Rodriguez, "Pangea-1, Détail 10, Pays les plus riches par valeur nette", 2022, Encre sur papier. Avec l'aimable autorisation d'Artpace.

Lordy Rodriguez: Since We Last MetArtpace12 janvier – 30 avril 2023

Lordy Rodriguez, qui était le premier résident du programme d'Artpace en 1995, revient pour exposer des sélections de son travail impliquant le langage de la cartographie et des grilles. La carte et la grille en tant qu'outils du langage visuel sont aujourd'hui omniprésentes dans la création artistique contemporaine ; ce qui m'intéresse le plus dans le travail de Rodriguez, c'est la façon dont il déconstruit la carte comme symbole visuel du pouvoir et du colonialisme. Dans une interview vidéo, il a qualifié son travail de "cartographie trompeuse". En tant que spectateurs, nous regardons les cartes pour nous orienter, non seulement en tant qu'appareils de navigation, mais pour avoir une idée de la géographie d'un lieu. Rodriguez nous fournit volontairement des informations dis/mis. Ainsi, ses réinventions de lieux et d'événements questionnent l'autorité gouvernementale et institutionnelle

Lordy Rodriguez, vue de l'installation "Since We Last Met" chez Artpace. Photo : Colette Copeland.

Lordy Rodriguez, vue de l'installation "Since We Last Met" chez Artpace. Photo : Colette Copeland.

Dans l'exposition, Rodriguez cartographie des événements politiques importants, tels que des manifestations et des marches. On pourrait se demander : comment cartographier les droits des électeurs, la justice sociale et le travail des militants ? Dans la série America, l'artiste reconfigure des cartes des États-Unis en fonction de ses expériences personnelles, de ses voyages, de ses souvenirs et de ses désirs. Dans son discours d'artiste, il a parlé de son rôle en tant qu'artiste. En tant qu'immigré, il a été encouragé à devenir médecin ou ingénieur, alors pour lui, l'art est un acte de protestation sociale car il va à contre-courant des attentes sociétales.

Sa série actuelle, Pangea, fait référence à une masse continentale hypothétique qui existait lorsque tous les continents ont été rejoints il y a environ 200 à 300 millions d'années. Dans Pangeas de Rodriguez, il reconfigure la géographie pour commenter les questions sociales, économiques et politiques. Panagea 1 est une carte qui relie les dix pays les plus riches du monde. Les dessins détaillés à l'encre sur papier montrent des lignes complexes indiquant les routes, visualisant l'interconnectivité de la richesse mondiale. La richesse économique contrastée est Panagea 2, qui cartographie les pays sur la "liste de surveillance", selon l'International Rescue Center.

Lordy-Rodriguez, « Pangea 2, Detail, IRC Emergency Watchlist », 2022, encre sur papier. Photo courtoisie Artpace.

Je m'en voudrais de ne pas aborder les aspects techniques du travail - toutes les pièces sont incroyablement détaillées et à forte intensité de main-d'œuvre. Cela me rappelle la cartographie ancienne et l'importance d'un travail manuel précis dans la création de cartes précises. Peut-être que ce dévouement au travail manuel obsessionnel sert aussi d'acte de résistance.

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